Основатель галереи PENNLAB Николай Дмитриев — о маркете WIN-WIN, фотографическом образовании и о том, как стать великим художником

Если вы увлеклись художественной фотографией, то что делать дальше?

Давайте для начала разберем это словосочетание — «художественная фотография».

Фотография как медиум фиксирует реальность. Изначально главная функция фотографии была документальная — сделать четкую копию действительности. В то же время когда она появилась в середине XIX века, в каком-то смысле стала одним из катализаторов зарождения современного искусства, импрессионизма. Живописцы поняли, что портреты больше не востребованы, реализм не востребован, и надо что-то с этим делать. Они стали работать с формой, цветом, и потихоньку появился ранний импрессионизм и много других течений. В начале XX века фотография уже являлась участником художественного процесса, хоть и не полноправным.

Сегодня мы выделяем три вида фотографии: профессиональную, когда фотографы работают на заказ, декоративную и ту, которая относится к изобразительному искусству. Мы не говорим художественная фотография, нет ведь художественной живописи. Правильнее — фотография как медиум художника в контексте современного искусства. Когда мы отбирали авторов в секцию FOCUS ФОТО — мы обязательно это учитывали. Можно сделать прекрасную, очень красивую фотографию, но без того самого контекста она не станет частью арт-сцены.

Если ты хочешь развиваться в контексте современного искусства, с чего начать? 

Если человек пошел в современное искусство и хочет работать с актуальной фотографией, необходимо образование. Это самое главное. В первую очередь, освоить само фотографическое ремесло. И в России — это проблема, поскольку у нас отсутствует фундаментальная, академическая школа фотографии. У нас все знания разрозненные, фрагментированные, Наверное, единственное место, где можно получить более-менее общую картину, это бывшая «Британка» (Universal University). У них внутри лаборатория, с которой все работают, однако и там только черно-белая фотография, цветной нет. 

У нас был интересный опыт с китайцами, которых мы отвели в «Своды» в ГЭС-2. Они были в восторге от лаборатории, где художники могут работать и с цветной, и черно-белой фотографией, где есть и другие технологии работы с изображением. Говорили, что у них, в Китае, нет подобных резиденций. А потом в процессе разговора выяснилось, что у них это все есть в вузах. Любое оборудование, любой свет, место, где можно изучить классические мокрые или цифровые процессы. И это не только образование, но и бесценный опыт, который очень помогает в будущем авторам.

Получается странная история. С одной стороны, надо получать образование, а с другой — где и как?

Приходится хватать разрозненные знания. Частично учиться у тех, кто уже сложился и знает ремесло, частично учиться по западным учебникам, YouTube-видео. Мы осознаем эту проблему, и это одна из причин, почему мы основали галерею PENNLAB. А далее важно изучить историю искусств — без нее автор начнет делать то, что уже давно было сделано и показано, и станет вторичным. И, конечно, философию. Так появляется осознанность, знание, что сказать, и понимание, в чем состоит содержательная часть. Этим трем аспектам нужно обязательно уделить внимание, без них, я считаю, дальнейший путь практически не возможен.

А есть какие-то конкретные имена авторов книг, учебников, которые вы могли бы порекомендовать? 

Есть хорошая очень книга Шарлотты Коттон «Фотография как современное искусство», изданная Музеем «Гараж». Прекрасная книга — ее стоит всем прочитать, кто хочет заниматься актуальной современной фотографией, чтобы понять, что такое фотография в современном искусстве, куда двигаться, что уже сделано, что, может, уже не имеет смысла. 

У нас есть очень хорошая школа — Московская школа фотографии и мультимедиа имени Родченко. Там все преподаватели прекрасные — их можно по списку читать, слушать. Есть Академия «Фотографика», Школа современной фотографии «Докдокдок» и «ФотоДепартамент».

За работой каких авторов вы бы посоветовали следить?

Этот список очень большой. Та же Шарлотта Коттон в своей книге приводит имена очень многих западных авторов. Что касается российских, их можно увидеть на выставках в ММОМА или у нас, смотреть по списку, кого мы выставляли, с кем работаем. Есть еще telegram-канал «Фотоулов / Photoulove». Буквально на днях там сделали пост, за кем из авторов следить. Канал отличный — небольшой, но очень профессиональный.

Есть какой-то идеальный путь художника — от вуза до персональной выставки в музее?

Начинаем с вуза. Параллельно необходимо постоянно участвовать во всевозможных опен-коллах, резиденциях, групповых ярмарках, выставках, ходить на портфолио-ревью, не бояться получать обратную связь от мастеров. Важно ходить по галереям, показывать проекты, при этом помнить, что не все галереи отвечают сразу. На этом же этапе необходимо определиться со своим позиционированием, научиться себя презентовать и постоянно обновлять свое биографию, портфолио. Работать, работать и работать, и в итоге удача обязательно придет.

Есть такое понятие, как репутация художника. Нужно направлять свои усилия на те проекты, на взаимодействие с теми институциями, которые бы способствовали ее укреплению. А там и музейные выставки не за горами.

Какую роль в этой структуре играет маркет WIN-WIN?

Маркет WIN-WIN — это как раз тот самый важный шаг в создании своего резюме, в укреплении своей репутации. Если художники прошли отборочный тур, значит их отсмотрели эксперты, которые определили, что они актуальны, интересны. Их увидят галеристы, коллекционеры, потенциальные покупатели. Особенно если художники прошли в секцию FOCUS ФОТО — это очень хороший результат. 

Сейчас в вашей галерее проходит выставка Юлии Павловой, участницы прошлого WIN-WIN. С кем из других авторов маркета вы хотели бы поработать еще?

Хочется сначала увидеть, как ребята выступят, что они покажут, как представят проекты. Я думаю, что с кем-нибудь начнем работать. А еще, кстати, три автора, которые там будут участвовать — Ольга Пегова, Ольга Михальчук, Ксения Плотникова — недавно были представлены на групповой выставке в PENNLAB. А сейчас они принимают участие в маркете. Так что это дорога в двух направлениях.

Что делает автора достойным, настоящим, знаковым художником?

Постоянство работы с текущим контекстом — это когда художник не замыкается в одной определенной технике, как часто бывает, а постоянно развивается и отвечает текущим вызовам общества. Все-таки художники — это зеркало общества, они поднимают проблемы этого самого общества. Если художник постоянно — из года в год, из проекта в проект — показывает свою актуальность и мастерство, то это делает его настоящим художником. Я думаю, это делает его великим.